Leipzig ehrt Albert Lortzings Spielopern mit einem Festival

Noch bevor der Bayreuther Meister jedoch die Trennung vollends aufhob, erfreute sich eine scheinbar paradoxe Entwicklung großer Beliebtheit, die den Anspruch des Abstrakten zugunsten volkstümlicher Nahbarkeit abräumte: die Spieloper – eine heitere Opernform mit gesprochenen Dialogen, verwandt mit Singspiel, Melodram und später der Operette. Kennzeichnend sind einfache Stoffe und eine vergleichsweise leicht zugängliche Musik. Ihr wohl prominentester Vertreter ist Albert Lortzing. Als Komponist, Librettist, Schauspieler, Sänger und Dirigent in Personalunion, beherrschte er das Unterhaltungsspektrum seiner Zeit und goss es in pointierte Bühnenwerke. Leipzig, wo viele seiner Opern uraufgeführt wurden, ehrt den heute selten gespielten Künstler mit einem Festival.

Auf dem Programm steht unter anderem „Der Waffenschmied“, dessen kleinbürgerliche Verkleidungsposse als besonders volkstümlich und komisch gilt: Graf Konrad und sein Knappe Georg arbeiten inkognito in der Werkstatt des Waffenschmieds Stadinger, wo der Graf – ein Dorn im Auge Stadingers – dessen Tochter Marie für sich gewinnen will. Immer mehr verstricken sich die Beteiligten in reichlich Verwirrung, Eifersucht und Tumult bis die Maskerade sich entwirrt und Konrad zu seinem Glück kommt.

Revolutionsgeist

Weit weniger heiter ist Lortzings Freiheitsoper „Regina“, ebenfalls beim Festival zu erleben. Unter dem Eindruck der Revolution von 1848 siedelt der Komponist das Geschehen in einer Fabrik an, wo Arbeiteraufstand und private Gefühle ineinander geraten. Während der besonnene Vorarbeiter Richard die Streikenden zu maßvollen Forderungen bewegen will, radikalisiert sich sein Rivale Stefan und entfacht einen gewaltsamen Aufstand. Fabrikbrand, Entführung und Geiseldrama folgen, bis Regina den fanatisierten Stefan selbst erschießt. Am Ende feiern die Arbeiter ihre errungene Freiheit im Taumel revolutionärer Hoffnung. Der politisch unerwünschte Sprengstoff des Werkes brachte Lortzing damals allerdings an den Rand des Ruins.

Wolfsschlucht und Ekstase

Die Idee gesprochener Dialoge im Musiktheater ist freilich älter. Ihre Wurzeln liegen im Singspiel, dessen berühmtester Vertreter Mozart ist. In der „Zauberflöte“ sorgt das gesprochene Wort zwischen Koloraturfeuerwerk, pastoraler Harmonik und aufklärerischer Philosophie vor allem für Komik. Papageno wird zum wortgewandten Entertainer – weshalb das ihm auferlegte „heilsame Stillschweigen“ eine besonders harte Prüfung darstellt. Kein Wunder, dass dieser Klassiker mit beträchtlichem Redeanteil bis heute weltweit gespielt wird, etwa an der Wiener Staatsoper, woher auch das eindrückliche Beitragsbild dieser Kolumne stammt.

Auch Webers „Freischütz“ bewegt sich zwischen Oper und Singspiel. Die vielen Dialoge und Witzeleien, vor allem aber die berühmte Wolfsschlucht-Szene als packendes Melodram, verleihen dem Werk seine besondere Mischung aus Theater und Klang. Dort gießen Kaspar und Max unter Sturm und dämonischem Geheul die verfluchten Freikugeln – während der Teufel Samiel als reine Sprechrolle erscheint. Wie lebendig diese deutsche Nationaloper geblieben ist, zeigen aktuelle Produktionen etwa in Bonn.

Eine Tradition bis ins 20. Jahrhundert hinein

Als Verbindung von Sprache und Musik entdeckte schließlich auch Arnold Schönberg das Melodram für sich. Sein „Pierrot lunaire“, nun szenisch in Magdeburg zu erleben, verbindet Sprechstimme und atonale Klangsprache zu einem expressionistischen Klangtheater. Bei der Uraufführung sorgte das Werk für Begeisterung, Empörung und Verwunderung gleichermaßen. Vielleicht liegt genau darin der Reiz: Im besten Sinne besitzen solche Werke die Fähigkeit, nicht nur mit Musik, sondern auch mit Sprache sprachlos zu machen.

Ausgelassene Bankette und Maskenbälle haben auch in der Oper eine lange Tradition. Und so vielfältig wie die Füllungen sind, so unterschiedlich ist das Feiern: Mal markiert es einen Wendepunkt, mal kulminiert die Tragödie darin, mal ist es der gesamte Schauplatz. In jedem Fall aber sind diese Szenen unterhaltsam, oft pompös ausgestaltet und ein Blickfang. Frei nach der Mainzer Fastnacht bleibt also nur zu fragen: Wolle mer se agugge?

Tatort: Maskenball

Titelprägend ist das Verkleidungsspiel etwa in Verdis „Un ballo in maschera“, wo der Maskenball zum tödlichen Finale zwischen Liebe und Intrige wird. Gouverneur Riccardo liebt heimlich Amelia, die Frau seines Freundes Renato. Eine Prophezeiung kündigt seinen Tod durch die Hand eines Freundes an – und erfüllt sich, als Renato auf dem Maskenball zusticht. Am Theater Erfurt blickt Katharina Kastening hinter das Spiel mit der Maske. Wer Erfurt als Karnevalshochburg misstraut, sei nach Zürich verwiesen. Denn im Alemannischen Raum ist die fünfte Jahreszeit mitsamt Maskenumzügen und „Guggenmusik“ hochgeschätztes Kulturgut. Folgerichtig greift die Zürcher Oper Adele Thomas’ Inszenierung wieder auf, die zwischen mysteriöser Wahrsagerei und stilvoll ausgekleideten Pastellroben changiert – ein Hingucker, wie das Titelbild beweist.

Der Weg ist das Ziel

Ein Ballsaal spielt auch in Tschaikowskys „Eugen Onegin“ eine zentrale Rolle. Onegin, der Lenski im Duell tödlich verwundet hat, kehrt nach Jahren der Wanderschaft nach Russland zurück. Der Ball vermag seine innere Leere kaum zu übertönen, doch kann die junge Tatjana sein Herz mit Leidenschaft erfüllen? Am Ende bleibt die Liebe trotz aller Anläufe unerfüllt: Onegin bleibt allein zurück, dem Konzertliebhaber immerhin eine der bekanntesten Polonaisen der Musikgeschichte. Wer die Inszenierung von „Eugen Onegin“ in der verheißungsvollen Deutung der Schauspielikone Ralph Fiennes im Pariser Palais Garnier verpasst, ist im etwas weniger westlich gelegenen Aachener Theater gut aufgehoben, wo Verena Stoiber Puschkins Versepos kenntnisreich unter die Lupe nimmt.

Ganz anders Rossinis Opernposse „Die Reise nach Reims“: Hier kommt die illustre Festgesellschaft gar nicht erst ans Ziel. Auf dem Weg zur Krönung Karls X. strandet man im Kurort Plombières – und feiert stattdessen dort ein Bankett. Verkleidet wird sich musikalisch: Jede Nation steuert eine Hymne bei, von Haydn bis „God Save the King“. Handlungstiefe sucht man vergeblich, dafür entfaltet sich eine virtuose Persiflage auf den Hochadel, die am Theater der Hansestadt Bremen bestens aufgehoben ist.

Schließlich darf der größte Connaisseur des Feierns nicht fehlen: Don Giovanni. Dem Tanz wie dem Wein gleichermaßen zugetan, nutzt er den Ball im ersten Akt als Bühne hemmungsloser Verführung. Maskiert beobachten ihn Anna, Ottavio und Elvira bis Zerlinas Hilfeschrei das Spiel entlarvt. Im zweiten Akt wird aus dem Ball ein Gastmahl, zu dem Giovanni den toten Komtur lädt. Der erscheint, konfrontiert ihn mit seinen Sünden und reißt ihn in die Unterwelt. Die Deutung Christoph Dammanns am Pfalztheater Kaiserslautern steht stellvertretend für einen Don Giovanni, der bei aller moralischen Abrechnung eines nie verlernt: das Feiern.